Tuttavia, venti anni dopo “l’ariete” porta sul corpo i segni della lotta. Appesantito e decaduto, lavora part time in un grande magazzino e pratica il wrestling nelle palestre dei licei, ogni fine settimana, per la gioia dei (pochi) fan che gli sono rimasti.

Il fallimento e la distruzione fisica sono temi che Darren Aronofsky aveva già esplorato in passato ma nel narrare la ballata del lottatore errante, trova il modo per estenderli a una sfera più ampia. Il personaggio di The Ram (interpretato da un Mickey Rourke in stato di grazia) rappresenta infatti l’essenza stessa del fallimento. Colpito da un infarto in seguito a un incontro mortificante, il vecchio wrestler inizia a riflettere sulla sua esistenza e trova nella spogliarellista di Marisa Tomei – una donna che per molti aspetti gli somiglia – un’affabile confidente che gli suggerisce di mettersi in contatto con la figlia.

Spostando le luci di scena dal ring all’animo spezzato di un uomo, Aronofsky assume un piglio compassionevole, senza mai eccedere nei toni evitando la drammatizzazione fine a se stessa. Virando dall’art-rock e dal cinema artigianale e visionario al quale ci aveva abituati, per intraprendere una strada narrativamente più semplice e schematica, il regista statunitense segue da vicino il wrestler, riprendendolo spesso di spalle in quello che appare un moto di deferenza, come se non volesse mostrare il declino dell’eroe.
Durante la sua personale ricerca di una rinascita, The Ram affronta a testa alta la vita fuori dal ring, provando con ogni strumento a sua disposizione a diventare l’uomo che non è mai stato.

A sostenerlo è il ricordo del boato della folla, lo stesso che continua a tentarlo sebbene sia ormai un “vecchio pezzo di carne maciullata”, perché i colpi inflitti dalla realtà sono più dolorosi di quelli subiti sul palco sotto ai riflettori. L’ultima drammatica sequenza, che lo mostra di spalle, è interrotta dal nero cinematografico e dai titoli di coda accompagnati dalla toccante ballata di Bruce Springsteen scritta appositamente per il wrestler e per tutti i lottatori caduti.

Fonte: Mymovies. it

C’era da aspettarselo, ma se non tutti ci avevano creduto, a trionfare nella notte degli Oscars è stato ‘The Millionaire’, firmato dal regista cult di ‘Trainspotting’ Danny Boyle.
La pellicola indipendente e low budget, ma che a “dispetto” del suo basso costo di produzione al box office sta registrando ottimi incassi. La storia  ambientata in India, si è portata a casa ben 8 statuette su 10 nomination: miglior film, regia, sceneggiatura non originale, fotografia, suono, montaggio, colonna sonora e canzone originale.

Al grande favorito di turno solo 3 premi (scenografia, trucco, effetti speciali) stiamo parlando appunto di  ‘Il curioso caso di Benjamin Button’ di David Fincher.

Nella 81esima edizione degli Academy Awards, andati in scena questa notte al Kodak Theatre di Los Angeles, segnaliamo la conquista dell’Oscar da parte Kate Winslet che ha vinto il premio alla migliore attrice per la sua interpretazione di una aguzzina nazista in ‘The Reader’, mentre per il miglior attore si è affermato Sean Penn, calato nei panni del primo politico americano dichiaratamente gay in ‘Milk’.

Da segnalare inoltre che Penelope Cruz ha conquistato il suo primo Oscar grazie alla sua seconda candidatura come attrice non protagonista per ‘Vicky Cristina Barcelona‘, dopo aver già vinto il Bafta per questa categoria.

Per la stessa categoria Oscar postumo per Heath Ledger, il temibile ‘Joker’ dell’ultimo capitolo della saga di Batman, “Il Cavaliere Oscuro”.

Tre stelle  capricciose dello star system hollywoodiano sono costrette a convivere dentro lo stesso film: un film genere gurerra (war movie) ad alto budget ambientato nel sud-est asiatico.

Tugg Speedman è una atteggiato superstar di action movie che sogna gloria e Oscar, Kirk Lazarus è un attore drammatico e pluripremiato col vizio del metodo e dell’immedesimazione estrema, Jeff Portnoy è il divo grasso e cocainomane della saga comica “The Fatties”.

Decisi a correggere i loro vizi e a non tollerare oltre bizze e stravaganze, il regista del kolossal bellico e il sedicente scrittore del best seller che lo ha ispirato li precipitano dentro una guerra reale e una jungla autenticamente selvaggia. Occupati a bisticciare e a rinfacciarsi le rispettive carriere, procederanno ignari del pericolo imminente. Venire alle armi con un vero e sbraitante gruppo di guerriglieri asiatici gli sveglierà finalmente dal sogno della finzione. Tra esplosioni a colori, effetti speciali, e proiettili a salve troveranno lo spirito di gruppo e un finale conforme al genere. Il “soldato Charlot” di Charlie Chaplin e il macchinista di Buster Keaton furono i primi a mettere alla berlina la vita militare e a parodiare l’insensatezza della guerra.La guerra, l’esercito e la caserma sono luoghi privilegiati della risata, vuoi per il desiderio di esorcizzare la drammaticità degli eventi che vi si svolgono, vuoi per portare un caos travolgente dentro un’istituzione organizzata. L’applicazione del comico a un oggetto drammatico come la guerra è perciò una delle tante e possibili declinazioni del concetto di war movie.

Diversamente, la comicità di Tropic Thunder non affonda i denti nella follia di uno scenario di guerra. Si tratta piuttosto di una “dichiarazione di guerra” al cinema bellico, di una commedia parodistica dei conflitti statunitensi rappresentati da Hollywood: Normandia, Corea, Vietnam, Golfo. Un film pieno di rimandi
metalinguistici, citazioni e ammiccamenti ironici ai clichè dei classici del genere: da Platoon ad Hamburger Hill, da Apocalypse Now a Salvate il soldato Ryan, da Rambo a Quella sporca dozzina. Ben Stiller fa esplodere, oltre alle bombe e alle postazioni nemiche, l’arsenale retorico e narrativo dei film con cui si cimenta, rimontandoli in maniera iperbolica. Tropic Thunder diventa così un film pieno di cinema

ma anche un film sul cinema e su Hollywood, circo di celluloide che esibisce divi volubili, agenti zelanti e produttori villain e villosi. Lo “smontaggio” delle pellicole più note del genere non è un gioco gratuito ma un attacco all’immaginario bellicista hollywoodiano e ad alcuni “vizi” della fabbrica del cinema. L’umorismo della commedia di Stiller è di stampo prettamente metalinguistico e non pertiene né alla tradizione chapliniana del comico antimilitarista né a quella altmaniana (M.A.S.H.) del cinema brillante dalle connotazioni critiche.

A misurarsi con la vita in divisa, al fianco di Ben Stiller, ci sono le maschere esagerate, eccentriche e stereotipate del black soldier di Robert Downey Jr. e del commilitone in astinenza di Jack Black.

Citazioni viventi del soldato forgiato nel fuoco e temprato nel sangue della “cultura bellica” hollywoodiana, le performance degli attori diventano occasioni per omaggi o riletture di figure classiche dei war movies: Downey Jr. incarna il coinvolgimento e l’esperienza della comunità nera nel conflitto in Vietnam, Stiller compie il rite de passage del colonnello Kurtz, “morendo” crivellato e dentro un ralenti come il sergente Elias di Willem Dafoe, Black è il reduce squilibrato e straniato nato il quattro di luglio. Un mucchio selvaggio che gioca alla guerra, agendo in un film volutamente sgradevole e intelligentemente stupido.

I buoni i risultati dei film italiani in questi periodo,non bastano a impedire il Fenomeno “Rambo” di Sylverster Stallone che scalza dalla prima posizione con un incasso di di 1.787.466 euro, il film di Silvio Muccino  “Parlami d’amore”, mentre ai fratelli Coen non è servito  il trionfo alla notte degli Oscar per
conquistare posizioni al nostro box office,  “Non è un paese per vecchi“  fatica arrancandoella classifica dei film più visti nel nostro Paese.
Al secondo posto, stabile, “Sweeney Todd“: il diabolico barbiere di Tim Burton ha incassato 1.603.106 euro.